Hablamos con el artífice de uno de los discos electrónicos de 2017


Era una entrevista que tenía que haber llegado en el Sónar, pero cosas del directo, no pudo ser. Así que llegamos ahora con la entrevista que teníamos pendiente al germano Daniel Brandt, el autor de uno de los indiscutibles discos electrónicos del curso. Eternal Something (Erased Tapes, 2017), su debut, que nos ha dejado sorprendidos (tibia nota de Chou mediante) por ese laberinto sonoro de electroacústica que supone. Su deje clasicista, incursiones jazzísticas y detalles minimalistas han sacado a relucir todo su potencial, que ha estallado ante nosotros prácticamente desde una posición de anonimato. Lo que le hace mucho más interesante. En la conversación habla sobre el disco y su filosofía sonora, sus referencias y se despacha a gusto con otras tendencias actuales en la electrónica.

Eternal Something es, en lo que va de año, uno de los discos más interesantes de electrónica de este año. Echando la mirada atrás, ¿cómo das el salto del jazz a la electrónica? ¿Y qué influencias manejasteis desde Brandt Brauer Frick para esa propuesta colectiva?

Gracias, me alegro de que te el disco te haya parecido muy interesante. Siempre he estado involucrado en varios estilos de música por lo que no ha habido una transformación real. Mientras estaba en la escuela, estaba en una orquesta clásica, tocando en una banda grande y también siendo parte de un grupo de Drum and Bass. También formé parte de varias bandas de rock. Básicamente el drum and bass fue mi primer amor en la música electrónica, ya que me fascinaron los ritmos de batería hiper-locos-rápidos-funky-diferentes y todo el sonido que tenía en sí. Además he estado siempre con la faceta de DJ, pinchando Drum and Bass, House, Disco y Techno. Así que para mí siempre ha sido todo. Para Brandt Brauer Frick la principal influencia fue, sin duda, el Detroit Techno, el sonido del house minimalista de principios de los años 2000 y, por supuesto, la música clásica moderna de gente como Steve Reich, Philip Glass y el mundo sonoro de Penderecki o Luc Ferrari.

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¿Qué te aporta este proyecto en solitario que no te dé el trío, cuál es el elemento diferenciador?

La principal diferencia para mí fue la forma de trabajar. La mayoría de veces he estado en solitario y no estaba limitado por el contexto de un proyecto ya establecido como Brand Brauer Frick. Así puedo integrar diferentes instrumentos e ir más por un ambiente rock que no hubiera tenido sentido en el contexto de BBF. Incluso al actuar en directo el cariz que adquiere es una dirección de rock experimental y esto es algo que durante mucho tiempo he querido explotar.

En el disco dejaba que las cosas fluyeran para no acotarlas desde el principio. Muchos de los detalles evolucionaron manteniendo el trabajo abierto e improvisando también con las canciones

Tu debut en solitario es un proyecto bastante ambicioso, de él dices que va de saltarse el plan establecido y descubrir algo que no habías pensado antes. ¿Qué te ha ofrecido ese planteamiento?

Básicamente mi plan original era hacer un álbum con muchos platillos. Hay un montón de platillos en el disco, pero no está hecho sólo con ellos. No obstante, fue el primer enfoque y el que me llevó a este sonido. En las primeras sesiones hice una pista que estableció la manera en la que quería que sonara el álbum y luego cuando llegué a hacer el disco ya tenía una referencia y una orientación sobre la que trabajar.

Sobre el proceso de grabación, ¿cómo ha sido y cuánto ha tardado, teniendo en cuenta que has estado en varios lugares del mundo?

En realidad no me llevó tiempo. Hice la primera sesión hace unos años, cuando estuve solo en una pequeña cabaña en un bosque y la mayor parte de esa sesión terminó en nuestro último álbum de BBF, Joy (Because, 2016), pero ese corte con el tipo de sonido de referencia que acabo de mencionar salió de dicha sesión. Luego empecé en septiembre-octubre de 2015 a trabajar más intensamente en él durante un tiempo y me metí a hacer el álbum en enero de 2016 en el estudio de BBF en Berlín. Luego pasé dos meses en California para coproducir principalmente el siguiente disco de Anna F., pero al mismo tiempo también trabajaba en mi álbum. Cuando volví y me centré en él estaba ya medio hecho y el resto era fácil, fluía solo.

Es un álbum con muchos matices, ¿cómo han influido esas experiencias y los diferentes músicos en el acabado final del disco?

Básicamente se trataba de dejar que las cosas fluyeran y no acotarlas desde el principio. Muchos de los detalles evolucionaron manteniendo el trabajo abierto durante mucho tiempo e improvisando también con las canciones. El trabajo de estructurarlo y pulirlo llegó mucho más tarde.

¿Cuánto hay de música en directo con la parte clásica y cuánto de producción después? ¿Qué propiedades ofrece un trabajo electroacústico que no tenga uno hecho sólo con software?

Básicamente es todo en directo, sólamente organizo y pulo las cosas en el ordenador. No soy muy fan de sentarme en el ordenador así que trato de minimizar ese tiempo. En cuanto a lo del software, ni me planteo utilizar sintes de software si tengo buenos instrumentos en mi estudio. El único que realmente disfruto es Ableton Live, quizá la solución más fácil y sencilla a la hora de grabar. Creo que mi música no habría sido posible sin ella.

Flying Lotus y Floating Points están creando paisajes sonoros muy diferentes pero muy interesantes, tampoco podemos olvidar Thundercat que es muy importante en el ámbito de jazz y electrónica

¿Tu idea es poder presentar el álbum en directo con una banda? Entiendo que es esta la forma ideal de presentar todos los matices que posee, que no son pocos.

Exacto, es lo que estamos haciendo. Tocamos en directo en Berlín en Berghain Kantine seguido de otra actuación en el Sónar. Y hemos tenido un verano intenso después en festivales principalmente en Reino Unido y Alemania. La formación consta de Pascal Bideau en la guitarra, bajo y muchos pedales, Florian Juncker en el trombón y yo en batería y sintetizadores. Es una ‘alineación’ muy disfrutable, donde dejamos un montón de espacio para la espontaneidad. Eso sí, el aspecto técnico es un poco complejo y espero que podamos hacerlo un poco más sencillo pronto.

Daniel Brandt junto Pascal Bideau y Florian Juncker durante el Sónar

¿Ha habido inspiración de proyectos como los realizados por gente como Jeff Mills o Carl Craig con orquestas clásicas? Es otra forma de cruzar la vertiente clásica y la electrónica.

En absoluto. Soy fan de ambos artistas y me encanta su música, pero sus esfuerzos orquestales siempre fueron lo contrario de lo que yo o nuestro proyecto de BBF queríamos hacer. Era un poco demasiado. Simplemente estaban repitiendo sus canciones de un modo bastante hollywoodesco. Para nosotros esto siempre ha ido de conjugar estos pequeños elementos con instrumentos interesantes, quizá utilizados de una manera poco usual para crear una especie de techno minimalista. Recientemente he visto que incluso muchos artistas aburridos de tech-house están de repente tocando con orquestas, especialmente en Alemania. No es mi taza de té. Pero también hay buenos ejemplos: The Heritage Orchestra, por ejemplo, está haciendo a veces colaboraciones con propuestas electrónicas y en su mayoría son bastante interesantes.

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¿Ha influido en ti el movimiento techno de Berlín? Si es así, ¿cómo?

Nací en Wiesbaden, que está cerca de Frankfurt. En realidad estaba más influenciado por la música británica, francesa y americana. Cuando empecé a acercarme al House y al Drum and Bass fue realmente a finales de los años noventa. Luego en los primeros 2000 me enganché al Minimal House. Siempre fuimos con un montón de amigos al club Robert-Johnson que estaba a una hora en tren desde nuestra ciudad. Las experiencias con ese sonido influyeron de forma definitiva en mi música. También organizábamos nuestras propias fiestas por aquél entonces en un sótano que era bastante ecléctico a nivel de música. Se ponía de todo, incluso rock de los 60s.

Soy fan de Mills y Craig, pero con las orquestas simplemente estaban repitiendo sus canciones de un modo bastante hollywoodesco

Dejando de lado a estos referentes más clásicos, hay una tendencia al jazz en otros proyectos electrónicos de artistas más jóvenes como Flying Lotus o Floating Points, ¿qué destacas de ellos y qué diferencias encuentras con tu proyecto?

Soy un gran fan de ambos. Creo que están creando paisajes sonoros muy diferentes pero muy interesantes y buena música. Tampoco podemos olvidar Thundercat que es muy importante en este ámbito. Sin embargo, me resulta difícil comparar mi sonido con el de ellos.

Y una última curiosidad, ¿de dónde vienen esos títulos tan españoles, como ‘Chaparral Mesa’ o ‘Casa Fiesta’?

Casa Fiesta era un título que tenía en mente durante mucho tiempo, ya que quería comenzar un sello Techno con ese nombre primero con una rana extraña en la portada de los discos. Me di cuenta de que probablemente nunca lo haré así que llamé a esa canción ‘Casa Fiesta’ para quitarme el nombre de encima. ‘Chaparral Mesa’ surgió mientras hacía el álbum en una cabaña que tenía ese nombre y que estaba en el Joshua Tree National Park. Estuve en ella una semana.

¿De qué va ‘Eternal Something, The Film’?

La película trata sobre mi punto de vista a través de cientos de vídeos de Youtube que versan sobre el estado del mundo actualmente. Es una especie de secuela descarnada de Koyaanisqatsi, una película estilo found footage de los 80. Está narrada por mi querido amigo Beaver Sheppard con quien colaboramos con BBF en nuestro álbum Joy.

Respecto a otras obras, ¿qué se siente y cómo ha sido revisitar la obra de Steve Reich con esos seis pianos superpuestos? Debe haber presión al reinterpretar a artistas tan trascendentales.

¡Absolutamente! Fue mucha resión, pero en el concierto en la Cologne Philharmony funcionó muy bien. El mayor beneficio de todo esto fue que después de más de 15 años de no tocar el piano, lo hice de nuevo y aprendí mucho a través de él. También fue interesante introducirse tan profundamente en el material de otro artista, algo que no he hecho en mucho tiempo.

Aunque aún es pronto para hablar de ello, ya hemos visto varios formatos en los que ha trabajado Daniel Brandt, más clásicos y más orientados a la electrónica, ¿en el futuro seguirás ampliando una perspectiva experimental o tienes claro que el camino a seguir en solitario es el de Eternal Something?

Estamos trabajando en el próximo álbum de Brandt Brauer Frick, que es un proceso muy interesante y estamos volviendo a donde empezamos con el proyecto. En cuanto a mi faceta en solitario ya tengo algunas ideas en mente e hice unos cuantos bocetos pero es demasiado pronto para hablar de ello. Para mí lo más interesante es y probablemente será participar en diferentes tipos de proyectos con otros enfoques. En ese sentido, coproducir el siguiente álbum de Anna F. ha sido una gran experiencia y también un campo totalmente diferente. Espero poder hacer algo más como esto en el futuro.

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